--Con 91 obras de 72 artistas, la exposición reconsidera el legado artístico después de la
Segunda Guerra Mundial--
Dallas, TX—24 de agosto de 2021— Reuniendo 91 obras de la aclamada colección de arte contemporáneo del Museo de Arte de Dallas (DMA) e importantes préstamos de colecciones privadas locales, Zona de deslizamiento: Una nueva visión de la abstracción de posguerra en América y Asia Oriental explora cómo los artistas revolucionaron sus formas, materiales y técnicas en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. La exposición, que se inaugurará el 14 de septiembre, reconsidera el legado histórico del arte de la posguerra para abarcar movimientos y tendencias internacionales simultáneos e interconectados, destacando las contribuciones cruciales de artistas que trabajaron en Buenos Aires, Ciudad de México, Nueva York, Osaka, Río de Janeiro, Seúl, Tokio y otros lugares. En estos centros artísticos, la abstracción ofreció posibilidades para nuevos métodos de creación artística, incorporando a veces la performance, la interacción con el espectador y materiales no tradicionales; muchos artistas buscaron nuevos modos de pintar y desafiaron las distinciones entre la pintura y la escultura. Al incluir adquisiciones contemporáneas emblemáticas en la historia del DMA junto con nuevas adquisiciones, donaciones prometidas, importantes préstamos locales y obras de la colección que se exponen en el museo por primera vez, Zona de deslizamiento reflexiona sobre el papel que desempeñan las instituciones en la configuración y reconfiguración de las narrativas históricas.
Zona de deslizamiento está comisariada por la Dra. Anna Katherine Brodbeck, curadora principal de la familia Hoffman de arte contemporáneo; la Dra. Vivian Li, curadora Lupe Murchison de arte contemporáneo; y Vivian Crockett, antigua curadora adjunta Nancy y Tim Hanley de arte contemporáneo. La exposición se podrá ver hasta el 10 de julio de 2022 y está incluida en la entrada general gratuita.
“Zona de deslizamiento ejemplifica la reconsideración globalmente inclusiva del canon histórico del arte que trabajamos para presentar. Esta ambiciosa exposición muestra los tipos de diálogos internacionales que podemos revelar a través de nuestra colección”, dijo el Dr. Agustín Arteaga, director Eugene McDermott del DMA. “Al poner a artistas emblemáticos en diálogo directo con sus contemporáneos, igualmente innovadores pero poco reconocidos, y al poner en primer plano las audaces visiones de todos, contamos una historia más honesta y más dinámica de una época radical en la evolución del arte”.
Basada en los puntos fuertes de la colección del DMA, Zona de deslizamiento se organiza en agrupaciones de obras que abarcan influyentes movimientos de posguerra en Asia Oriental, América Latina y Estados Unidos. La exposición cuenta con 72 artistas. Entre ellos se encuentran artistas del colectivo experimental de la Asociación de Arte Gutai; artistas pertenecientes a los movimientos Mono-ha y Tansaekhwa que trabajaban con materiales no tradicionales; artistas, principalmente de Estados Unidos, que impulsaban los efectos ópticos y espaciales de la pintura y la escultura; y artistas de América Latina que participaban en el muralismo moderno, así como en la pintura abstracta gestual y geométrica. A lo largo de la exposición, los emparejamientos de obras creadas por artistas radicados en diferentes regiones geográficas iluminan las conexiones tanto formales como personales.
Los miembros de la Asociación de Arte Gutai, con sede en Osaka, experimentaban colectivamente con la originalidad, renunciando a la autoría individual y permitiendo que se desarrollaran nuevas perspectivas. Las primeras obras del Gutai se centraban con frecuencia en sus procesos creativos y en sus performances, y a menudo exhibían una sensación lúdica y liberadora. Muchas de las performances y obras efímeras del Gutai fueron captadas por el fotógrafo Kiyoji Otsuji. La mayoría de las obras del Gutai presentadas en Zona de deslizamiento no implicaban el uso de un pincel o incluso de un caballete, como la pintura Choque de botellas de Shozo Shimamoto (creada lanzando botellas de vidrio llenas de pintura y piedras al lienzo en el suelo) y Kagayakeru-iro (Colores brillantes) de Kazuo Shiraga (pintada por el artista con los pies). Artistas estadounidenses como Sam Francis, Senga Nengudi y Robert Rauschenberg conocían las obras del Gutai. Francis viajó por primera vez a Japón en 1957, cuando visitó el colectivo de artistas Gutai con el crítico francés Michel Tapié. El protagonismo del espacio negativo en sus obras creadas poco después, como Emblema, alude al concepto japonés del ma (間), o espacio intermedio. Este concepto también aparece en la obra de la pintora Virginia Jaramillo. La influencia de Sadamasa Motonaga y su instalación de 1956 Obra (Agua) puede sentirse en la obra Composición de agua I de Nengudi.
Varios artistas de la posguerra de Asia Oriental, familiarizados con la tinta y la pintura al óleo, intentaron crear nuevos tipos de abstracción basados en ambas tradiciones. La inmediatez del papel y de la tinta los llevó a adoptar un enfoque muy literal y deliberado en los materiales. Estas tendencias aparecieron en las obras de varios artistas a finales de la década de 1960 y en la de 1970, especialmente en las de los influyentes artistas de instalaciones escultóricas del grupo Mono-ha de Japón y los pintores monocromos del grupo Tansaekhwa de Corea. Predominaban el peso, la tactilidad y los colores y materiales crudos, como la pesadez de la piedra en el Relatum de Lee Ufan y las intrincadas arrugas de la pasta de papel que dibujan la superficie de las “pinturas” de Chung Chang-Sup. La repetición compulsiva y los densos símbolos gráficos de la caligrafía en tinta pueden encontrarse en la obra de Zao Wou-Ki y Mira Schendel.
En Estados Unidos, muchos artistas impulsaban los efectos ópticos y espaciales de la pintura y la escultura mediante la experimentación con nuevas herramientas —como el uso de escobas de empuje por parte de Ed Clark, el uso de sierras por parte de Jack Whitten y el uso de pintura en aerosol por parte de Judy Chicago— y técnicas adaptadas del trabajo tradicional e industrial. Las esculturas cóncavas de Fred Eversley se inspiraron en su carrera de ingeniero. El trabajo históricamente asociado a las mujeres desempeñó un papel crucial en las innovaciones estilísticas de Al Loving y Sam Gilliam. En las décadas de 1960 y 1970, los debates sobre las posibilidades y limitaciones políticas de la abstracción fueron fundamentales en la lucha por incluir la obra de los artistas negros en las instituciones artísticas. Incluso en los intentos de inclusión, las mujeres artistas fueron excluidas de forma rutinaria, y algunas abordaron estas cuestiones directamente en su obra. Odalisca (Oye, oye Frankenthaler) de Lynda Benglis afirma la importancia de Helen Frankenthaler en la génesis del movimiento de campos de color y hace un guiño al método de la artista de verter la pintura sobre un lienzo sin imprimación, un ejemplo del cual, el Mito de Frankenthaler, se expone cerca de la obra.
A través de diversas estrategias, los artistas de América Latina desempeñaron un papel fundamental en el período de posguerra a nivel regional e internacional. Los artistas mexicanos, conocidos sobre todo por sus murales monumentales, fueron especialmente importantes tanto en Estados Unidos como fuera del continente americano. La Figura arrodillada frente a un arco con calaveras de Jackson Pollock está claramente inspirada en José Clemente Orozco, y el pintor estadounidense se expone en Zona de deslizamiento junto a su antiguo instructor David Alfaro Siqueiros. Los artistas de Brasil, Argentina y Venezuela estaban interesados en la abstracción desprovista de símbolos nacionalistas por su potencial como lenguaje universal. La obra de José Antonio Fernández-Muro Rojo violáceo sobre gris muestra el uso de la abstracción geométrica. Estas composiciones se inspiran en las funciones matemáticas, un enfoque defendido por el concretista suizo Max Bill, que expuso a menudo en Sudamérica. Lygia Clark y Lygia Pape formaron parte de un movimiento de corta duración en Brasil llamado neoconcretismo, que se apartó del uso de una composición de base matemática favorecida por los artistas concretos. Sus obras incluían metáforas orgánicas, y eventualmente se invitaba a los espectadores a participar o manipular ciertas obras, como Bicho-em si de Clark. Sus obras ejemplifican el amplio potencial de la geometría.
“Zona de deslizamiento examina de forma única las conexiones entre América y Asia Oriental —dos regiones que no se suelen considerar juntas— y reanima el espíritu experimental compartido y el potencial de la abstracción en este momento internacional de la posguerra”, dijeron las curadoras. “Los notables artistas de esta muestra no estaban satisfechos con las nociones de arte que heredaron y buscaron nuevos materiales y procesos con artistas afines, y no necesariamente solo en su país de origen. Estos influyentes artistas se arriesgaron y forjaron su propio camino”.
Zona de deslizamiento: Una nueva visión de la abstracción de posguerra en América y Asia Oriental está organizada por el Museo de Arte de Dallas. El Museo de Arte de Dallas es apoyado, en parte, por la generosidad de los miembros del DMA y donadores, el National Endowment for the Arts, la Texas Commission on the Arts y los ciudadanos de Dallas a través de la Oficina de Artes y Cultura de la Ciudad de Dallas.
Sobre el Museo de Arte de Dallas
Establecido en 1903, el Museo de Arte de Dallas (DMA) es uno de los 10 museos de arte más grandes del país. Con una política de entrada general gratuita y esfuerzos para fortalecer el vínculo con su comunidad, el DMA es distinguido por su dedicación a la investigación, la innovación y la participación pública. En el corazón del museo y sus programas se encuentra su colección global, la cual comprende 25,000 obras y abarca 5,000 años de historia, representando una gama completa de culturas mundiales. Ubicado en el distrito de artes más grande de la nación, el museo sirve como catalizador para la creatividad comunitaria, involucrando a gente de todas edades y orígenes con un rango diverso de programación, desde exposiciones y ponencias hasta conciertos, eventos literarios y presentaciones de teatro y baile. El DMA es una institución de Acceso Abierto, permitiendo que toda obra que se cree ser de dominio público sea disponible libremente para la descarga, la compartición, la readaptación y la remezcla sin restricción. Para más información, visite DMA.org.
El Museo de Arte de Dallas es apoyado, en parte, por la generosidad de los miembros del DMA y donadores, el National Endowment for the Arts, la Texas Commission on the Arts y los ciudadanos de Dallas a través de la Oficina de Artes y Cultura de la Ciudad de Dallas.
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